Die meisten Menschen mögen Filme; die meisten stellen gerne Behauptungen darüber auf, wie sie sich anfühlen (emotionale Behauptungen) und was wir über sie denken (bewertende Behauptungen). Wir können zum Beispiel sagen, dass uns ein bestimmter Film zum Weinen gebracht hat, dass er uns Angst gemacht hat oder dass wir „mit den Nerven am Ende waren“. Wir können sagen, dass ein Film ein „Muss“ ist, dass er „nicht so gut war wie sein letzter“, dass er „stinkt“ oder dass er eine tolle Geschichte ist.
Die Filmwissenschaft fordert uns auf, über solche Behauptungen hinauszugehen und zu fragen, wie und warum Filme uns so fühlen lassen, wie sie es tun, und warum wir manche Filme für besser halten als andere. Sie verlangt, dass wir über die Geschichte hinausgehen und vielmehr die Form des Films betrachten – wie er zusammengesetzt ist.
In der Filmwissenschaft setzen wir das ein, was Hitchcock als „kritische Fähigkeit“ bezeichnet. Wir gehen über das passive Betrachten der Geschichte (Inhalt) hinaus und lesen aktiv die Form des Films (wie der Inhalt des Films ausgedrückt wird). Die Filmform kann als das Gesamtmuster der Beziehungen zwischen den Elementen des gesamten Films definiert werden. Diese bestehen sowohl aus erzählerischen als auch aus stilistischen Elementen.
Die Erzählung eines Films besteht aus einer Reihe von Ereignissen, die durch Ursache und Wirkung miteinander verbunden sind. Wir sehen zum Beispiel, wie ein Schuss abgefeuert wird, dann sehen wir einen Mann fallen. Die Art und Weise, wie diese Ereignisse dargestellt werden, ergibt für uns einen Sinn: Der Mann wurde erschossen, der Schuss hat den Mann zu Fall gebracht. Was passiert aber, wenn wir erst den Mann fallen sehen und dann den Schuss abgeben? Alle Filmemacher haben die Wahl, wie sie uns die Informationen über die Geschichte vermitteln, aber sie müssen eine Form der Erzählstruktur vorgeben. Der große französische New-Wave-Regisseur Jean-Luc Godard bestand darauf, dass Filme einen Anfang, eine Mitte und ein Ende haben müssen, „aber nicht unbedingt in dieser Reihenfolge“ (man denke beispielsweise an Christopher Nolans ausgezeichneten Film Memento (2000)).
Neben der narrativen Struktur eines Films hat der Filmemacher auch die Wahl, wie er die Erzählung vermitteln will. Dieser Vorgang wird als Narration bezeichnet. Eine solche Erzählung kann sich auf die Sichtweise einer bestimmten Figur beschränken (dies ist in Kriminalfilmen durchaus üblich) oder allwissend sein (der Zuschauer weiß mehr als eine bestimmte Figur). Die Menge an Informationen, die uns zur Verfügung gestellt wird, hat Auswirkungen auf die emotionale Reaktion des Zuschauers.
Neben den Erzähltechniken verfügt ein Filmemacher auch über eine Reihe von Stilelementen, die ihm zur Verfügung stehen. Das erste dieser Elemente ist die Inszenierung: Dieser Begriff (der ursprünglich aus dem Theater stammt) kann etwas zweideutig sein und wird in verschiedenen Bedeutungen verwendet, aber im Wesentlichen besteht die Inszenierung aus (mindestens) dem Bühnenbild, den Kostümen und dem Make-up, der Inszenierung (Schauspiel und Bewegung) und der Beleuchtung. Das heißt, alles, was vor der Kamera geschieht und in der endgültigen Aufnahme erscheint. Wie Sie sich vorstellen können, ist die Inszenierung ein äußerst wichtiger Teil des Filmemachens und kann im weitesten Sinne als das gesamte Erscheinungsbild eines Films verstanden werden – seine Regie. Manchmal werden Filmregisseure sogar als „Metteurs-en-Scene“ bezeichnet.
Das zweite stilistische Element ist die Kinematografie. Unter Kinematografie versteht man die Aufnahme von bewegten Bildern auf Film (oder einem anderen Medium) und die Bearbeitung/Entwicklung dieser Bilder. Der Kameramann muss sehr eng mit dem Regisseur zusammenarbeiten und hat eine Vielzahl von Techniken zur Verfügung. Die phantastische „Parlour Scene“ aus Hitchcocks Psycho nutzt Miss-en-Scenes und kinematografische Techniken mit großer Wirkung.